21 STAGES DE PRATIQUES ARTISTIQUES

VACANCES D’HIVER 2024

Période du 26 février au 2 mars 2024


/!\ L’ Ensba est fermée du 19 février au 23 février inclus. Le standard des PAA également.

Durant cette période, les demandes de renseignements et les préinscriptions pour les stages ne pourront être effectuées que sur la boîte mail paa-accueil@ensba-lyon.fr qui sera consultée chaque jour.

→ Le règlement (chèque ou CB uniquement) sera demandé le premier jour du stage.


Préinscriptions auprès de paa-accueil@ensba-lyon.fr ou bien 04 72 00 11 93 (les mardis, mercredis et jeudis).

Un stage est validé dès qu’il recueille suffisamment d’inscriptions.

  • Nous vous contacterons dès sa validation pour vous demander le règlement et ainsi finaliser votre inscription au stage.
  • Quelques jours avant le stage, vous recevrez un mail de l’artiste intervenant-e pour le premier rendez-vous.
Stage de 3 jours – 18 heures240 €
Stage de 3 jours – 18 heures
(lycéen-ne-s, étudiant-e-s, demandeu-r-se-s d’emploi, allocataires du RSA, personnes handicapées)
141 €

Liste de stages :

LA COULEUR SELON JOHANNES

www.emmamarion.com

En s’inspirant de la pratique et de la conception de la couleur de l’artiste suisse Johannes Itten, expérimentez l’art de la couleur à travers la réalisation de compositions abstraites autour du thème des 4 saisons.

  • 3 jours
  • 29 février, 1 et 2 mars 2024
  • 10h-13h 14h-17h (repas possible sur place).
  • Adolescent-e-s et adultes, tous niveaux à partir de 12 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :

Pour la peinture :

  • crayons, gomme, papier/carton entoilé minimum format A3 ouA5, au moins 10 feuilles (indispensable, vous avez un exemple de bloc de papier en photo mais ça peut être une autre marque), palettes (assiettes en céramique ou en carton), pots pour l’eau, couteaux à peindre, chiffons. 

Peinture acrylique :

  • un rouge (rouge de cadmium clair, foncé, primaire …) / un bleu (bleu outremer français, bleu de Prusse, bleu primaire …) / un jaune (jaune de cadmium clair, foncé, citron …) / ocre jaune / terre d’ombre brulée (ou brun van Dyck) / blanc. En plus (facultatif) : un orangé, un violet, vert émeraude, ou toute autre couleur que vous avez.

Pinceaux :

  • de différentes tailles, des brosses plates rondes ou carrés, pinceaux ronds effilés.
Présentation :

Comment les couleurs fonctionnent-elles ensemble ? Qu’entend-on par composition colorée ? Comment créer des gris colorés ? Comment la couleur pure peut-elle créer des contrastes ?  Passionnée par la couleur, je m’appuie sur l’enseignement de Johannes Itten, artiste suisse, professeur au Bauhaus dans les années 20. Il considérait la couleur comme une partition musicale. Ses recherches portaient sur l’harmonie colorée. (Art de la couleur que je vous incite vivement à lire, ce livre est une Bible pour nombres d’artistes).

En trois jours (il faut une vie pour intégrer la théorie de la couleur), je vous propose des exercices de grilles ou de compositions abstraites pouvant évoquer les saisons. Quelles sont les caractéristiques des couleurs de l’été, de l’hiver ? etc. Comme les impressionnistes ont pu le faire (ils étaient les maîtres en ce qui concerne les compositions colorées), vous tenterez d’harmoniser votre palette en créant des couleurs correspondant à chaque impression souhaitée.

La couleur doit être plus raisonnée que le dessin.

Bonnard

Déroulement :

Jour 1

  • Matin 1. Réalisation d’un cercle chromatique. Petit cours théorique.
  • Aprem 1 : Grille de Johannes Itten visant à décliner les couleurs en teintes été et hiver.

Jour 2

  • Matin 2 : Grille de Johannes Itten visant à décliner les couleurs en teintes printemps et automne.
  • Aprem 2 : Réalisation de gris colorés.

Jour 3

  • Matin 3 : petit exercice de transcription en couleur pures d’une toile de Matisse (à partir d’une photocopie noir et blanc).
  • Aprem 3 : Réaliser un camaïeu à partir d’une couleur.

LE CORPS EN COULEUR

Atelier avec modèle vivant sur certaines séances

www.emmamarion.com

En s’inspirant de la pratique de la couleur de l’artiste suisse Johannes Itten, expérimentez le travail du modelé du corps à l’aide des couleurs pures, des complémentaires ainsi que de camaïeux. Pastels, crayons et peinture au programme de cette expérience des couleurs et des gris colorés.

  • 3 jours
  • 26, 27 et 28 février 2024
  • 10h-13h 14h-17h (repas possible sur place).
  • Adolescent-e-s et adultes, tous niveaux à partir de 12 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :

Pour la peinture :

  • Crayons, gomme, papier/carton entoilé minimum format A3 ou A5, au moins 10 feuilles (indispensable, vous avez un exemple de bloc de papier en photo mais ça peut être une autre marque), palettes (assiettes en céramique ou en carton), pots pour l’eau, couteaux à peindre, chiffons. 

Peinture acrylique :

  • Un rouge (rouge de cadmium clair, foncé, primaire …) / un bleu (bleu outremer français, bleu de Prusse, bleu primaire …) / un jaune (jaune de cadmium clair, foncé, citron …) / ocre jaune / terre d’ombre brulée (ou brun Van Dyck) / blanc. En plus (facultatif) : un orangé, un violet, vert émeraude, ou toute autre couleur que vous avez.

Pinceaux :

  • de différentes tailles, des brosses plates rondes ou carrés, pinceaux ronds effilés.

Pour le dessin :

  • pastels, crayons de couleurs, feutres etc.

Il y aura présence de modèle vivant : 26 février : 6h / 27 février : 3h / 28 février : 3h

Présentation :

Ce stage de trois jours a pour but de vous faire travailler la couleur de plusieurs façons. La couleur pure va donner un maximum d’intensité à vos compositions comme les fauves pouvaient le faire. Le travail des complémentaires vous donnera des clés pour comprendre la roue chromatique. Et enfin le travail en camaïeu permettra de réaliser un ensemble de variations à partir d’une seule couleur. Le corps du modèle sera un excellent support pour réaliser des contrastes et des modelés colorés.

Je m’appuierai sur l’enseignement de Johannes Itten tout au long du stage. (livre Art de la couleur).


Déroulement :

Jour 1 – La couleur pure !

  • Matin 1 (avec modèle vivant). Travail au dessin (pastel, crayons de couleurs, feutres etc.) sur des poses courtes.
  • Aprèm 1 (avec modèle vivant). Poses longues (45min). rouge/orangé/jaune. bleu/vert/jaune.

Jour 2 – Les complémentaires !

  • Matin 2 (Sans modèle vivant). Exercice de Johannes Itten. Création de gris colorés à partir des couples de complémentaires.
  • Aprèm 2 (avec modèle vivant). Poses longues. violet/jaune. bleu/orangé.  

Jour 3 – Les camaïeux.

  • Matin 3 (sans modèle vivant). Réalisation de camaïeux à partir d’une couleur.
  • Aprèm 3 (avec modèle vivant) poses longues à partir de ces camaïeux colorés.

BILAN : 12h avec modèle vivant / 6h d’exercices appliqués sur la couleur / au moins 6 peintures réalisées à partir des poses longues du modèle.

SAVOIRS SECRETS. REDÉCOUVRIR LES TECHNIQUES PERDUES DES MAITRES ANCIENS

Faites de nouvelles expériences de regard à travers des lentilles (convexes, concaves) ou d’autres outils optiques. Ces outils vous permettront d’observer autrement et de comprendre les transformations et distorsion pour les mettre au service de la représentation de natures mortes ou d’images photographiques, en dessin comme en peinture.

  • A l’aide d’outils optiques
  • 3 jours
  • 26, 27 et 28 février 2024
  • 10h-13h 14h-17h (repas possible sur place).
  • Adolescent-e-s et adultes, tous niveaux à partir de 12 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • Papier à dessin classique
  • Papier gris
  • Papier calque
  • Un bloc de papier à peinture (adapté au type de peinture) format A4
  • Gommes, gomme mie de pain
  • Règle
  • Tubes de peinture (Huile, acrylique, gouache au choix)
  • (Couleurs nécessaires de base : Blanc de titane, jaune cadmium, Rouge cadmium, rose quinacridone, Bleu outremer, Bleu cæruleum, Ocre jaune, Terre d’ombre brûlée, noir d’ivoire)
  • Assortiment de pinceaux adaptés à votre peinture. (Privilégiez des pinceaux plats, brosses, dont certains de très petite taille, synthétiques)
  • Des chiffons, des bocaux ou pots à confiture avec couvercle
  • Crayons : blanc, pierre noire, sanguine.
Présentation :

Savoirs Secrets est un livre qui a connu un grand retentissement depuis sa première édition en 2001.
David Hockney, un des plus grands peintres contemporains anglais, y développe une réflexion passionnante sur la conception technique des plus grandes œuvres de l’art occidental.
Ainsi, à l’aide de son regard de peintre, il nous montre à travers des reproductions comment Le Caravage, Velázquez, Van Eyck, Holbein et Ingres ont utilisé des miroirs et des lentilles pour concevoir et élaborer leurs œuvres.
Ensuite il reproduit les méthodes employées par ses prédécesseurs et montre dans l’ouvrage les résultats obtenus.
Ce stage vous permettra d’explorer et d’appréhender ces savoir-faire qui font partie de l’histoire de la peinture en utilisant des prototypes fabriqués et inspirés des outils anciens.
Nous découvrirons ensemble par la suite des outils contemporains dont les principes sont directement hérités de ces savoirs anciens et qui vous permettra de réaliser des dessins et peintures variées.


Déroulement :

Jour 1

  • MATIN : Après une courte présentation des jours à venir, nous réaliserons des croquis de natures mortes à l’aide des différents prototypes d’outils optiques que je mettrai à votre disposition.
  • Pause déjeuner de 13h à 14h (amenez de quoi manger et boire, ainsi que vos assiettes, verres et couverts)
  • APRÈS-MIDI : A partir de ces esquisses, nous réaliserons un travail plus abouti, en dessin et/ou peinture selon les souhaits de chacun.

Jour 2 – PORTRAITS

  • Matin : Utilisation d’une camera lucida contemporaine à l’aide de vos smartphones ou tablettes. Nous réaliserons un portrait avec la technique dite des « deux/trois crayons » sur papier demi-teinte.
    Quelques feuilles de papier demi-teinte seront à votre disposition durant le stage afin de s’initier à cette technique.
    Une banque photographique de portraits sera fournie par l’enseignante mais vous pouvez bien-sûr amener vous-même une photographie de portrait.
  • Pause déjeuner de 13h à 14h.
  • Après-midi : Réalisation d’une peinture sur papier en petit format (Type A4) à partir de la banque d’images fournie ou de vos photographies personnelles.

Jour 3 – PAYSAGES

  • Matin : Peinture de paysage ou d’intérieur (photo personnelle ou banque d’images fournie) à l’aide des techniques abordées précédemment sur papier format A4 ou A5.
  • Pause déjeuner de 13h à 14h.
  • Après-midi : Poursuite du travail amorcé en matinée à l’aide des techniques abordées précédemment sur papier format A4 ou A5 avec la possibilité de faire une ou plusieurs peintures selon le rythme de chacun.
  • Soir : Moment convivial, apéro à l’atelier ou dehors selon les envies

PEINTURE DU CIEL ET PAYSAGE « ALLA PRIMA »

Site / Instagram

Initiez-vous à une technique particulière de peinture à l’huile (alla prima). Le travail par les grandes masses, des gestes rapides et maîtrisés pour plus d’expressivité, à l’aide de brosses, de gros pinceaux, permettra de conserver une gestuelle spontanée. Avec le ciel et le paysage pour motifs d’observation, vous pourrez envisager différentes gammes chromatiques pour en faire ressortir les subtilités atmosphériques.

  • 3 jours
  •  lundi 26 | mardi 27 | mercredi 28 février 2024
  • 10h-13h 14h-17h (repas possible sur place).
  • adultes tous niveaux
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • Carnet de croquis de faible grammage pour croquis préparatoires
  • Assortiment de crayons à dessin graphites HB, 2B, 4B, 6B
  • Fusains tendres
  • Gomme mie de pain
  • Taille crayon
  • Pinces à dessin
  • Bombe de fixatif (pour crayon et fusain)
  • Support pour peindre à l’huile : papiers à grain toilés (Figueras CANSON de 290g/m² ou Hannemühle de 330 g/m²) et/ou toiles de lin sur châssis
  • Pinceaux en poils synthétiques : Pinceaux ronds : pointes fines (n°1 et 2) et Brosses plates « usé-bombé » (ou langue de chat) n°4, 6, 8, 10, 12
  • Quelques pinceaux (brosses plate) en soie de porc
  • Une palette de peinture en bois (ou en plastique)
  • 2 petits pots en verre avec couvercle (pots de confiture ou terrine par exemple)
  • Un tablier, blouse ou vieux vêtements.
  • Médium à peindre Talens 083 (ou Huile de lin ou d’œillette si vous en possédez déjà) et essence de térébenthine rectifiée – Vous pouvez préparer le médium à peindre en mélangeant de la térébenthine rectifiée et de l’huile de lin (ou d’œillette) mais je conseillerais d’utiliser du médium à peindre tout fait (prêt à peindre).
  • Peintures à l’huile : bleu outremer foncé, bleu céruléum, bleu de cobalt, bleu de Prusse, jaune de cadmium, jaune de cadmium-citron, rouge cadmium, laque de garance foncée, rouge vermillon, terre d’ombre brulée, terre de Sienne brûlée, ocre jaune, blanc de titane, noir d’ivoire.
  • Si besoin pour réaliser des fonds sur place, quelques peintures acryliques comme un rouge vermillon et une terre de Sienne brûlée.
  • Rubans de masquage Tesa (pour isoler les surfaces à peindre)
  • 1 couteau à palette
  • Des chiffons ou papier essuie-tout (type Sopalin)
  • White spirit et savon de Marseille pour le nettoyage des pinceaux
Présentation :

« Alla prima est un terme italien. Nous dirions en Français « au premier coup ». C’est une technique de peinture à l’huile qui permet d’obtenir un résultat final après une seule séance de peinture. Cette technique s’oppose au travail de peinture à l’huile par couches successives et à l’apport de glacis qui demande d’attendre que la couche précédente soit sèche pour appliquer de nouvelles teintes transparentes. Elle est utilisée depuis plusieurs siècles par les peintres notamment pour élaborer leurs ébauches. Ils préparaient ainsi la composition de leur paysage sur le motif pour ensuite les reprendre à l’atelier en plus grand format. Les impressionnistes utilisaient cette technique qui leur permettaient de terminer leur tableau en capturant la lumière naturelle « d’un premier jet ». 

C’est une approche directe de la peinture appelée aussi « mouillé sur mouillé » et nous verrons toutes les possibilités du travail des couches humide sur humide pour produire une peinture dynamique et gestuelle dans un temps limité. Une bonne gestuelle dans vos coups de brosse participera à donner du caractère à votre peinture. Des gestes rapides et maîtrisés vous permettront de garder la spontanéité dans votre travail. La technique « Alla Prima » permet un maximum d’expressivité et vous verrez que cette approche de la peinture à l’huile offre beaucoup de liberté. 

La pratique du ciel permettra de travailler les différentes techniques de la peinture à l’huile en prenant compte de ses contraintes tout en construisant un tableau de paysage. Cette méthode permet également de développer son regard et une analyse du motif à peindre. Pour la cohérence globale de l’œuvre et pour donner de la présence à votre tableau, cette technique demande une certaine justesse dans l’approche des formes, de l’équilibre des masses, dans le travail de composition, en ligne, en valeur et en couleur, de la lumière et de l’atmosphère. Nous aborderons les trois couleurs primaires et toutes les nuances possibles du champ chromatique. Le ciel est une pratique idéale pour capturer la lumière et donner l’illusion de profondeur dans un tableau.

Les différentes décisions dans l’utilisation des couleurs, des techniques dans l’application de la peinture et le maniement des pinceaux, médiums et différents outils auront toutes leur importance pour donner de la puissance à votre travail. Vous devrez simplifier les formes, les couleurs (avec une palette réduite) et vous marquerez fortement les contrastes pour faire apparaitre la lumière et apporter du réalisme à votre image. 

Le travail se construit d’abord par les grandes masses qui structurent la composition du tableau pour finir sur les détails. Sur ce principe, l’utilisation de gros pinceaux vous éviteront d’aller trop rapidement sur des détails dont vous n’avez pas besoin dans les premières étapes du travail. Vous irez à l’essentiel pour donner de la présence à votre image. À partir d’une composition très simple, la couleur, le travail de la lumière et la profondeur atmosphérique vous ouvriront les portes d’un monde sensible. 

Après avoir dessiné votre sujet, la technique « Alla prima » vous permettra de reprendre le dessin et de modeler les formes à l’aide d’une palette limitée. Vous construirez votre palette de couleurs en rapport à la tonalité de la peinture et la lumière que vous voulez obtenir.

Vous aurez besoin de multiples photographies de paysage qui vous serviront pour construire différentes compositions durant ces trois jours. La composition et la lumière devront être pensées avec soin pour trouver une ambiance et une atmosphère particulière. Cherchez dans vos propres photographies mais vous pouvez également apporter d’autres visuels ou livres de paysages qui vous inspirent et qui vous serviront de point de départ. 

Nous ne copierons pas les images mais nous interpréterons les différentes compositions de formes ou l’inspiration d’une lumière pour en traduire librement les caractéristiques et en sortir une œuvre personnelle. Nous analyserons ensemble les visuels qui ont attirés votre attention pour choisir les plus pertinents. L’enseignant apportera également des images à vous proposer au début du stage.

Préparez des supports de petits formats sur papier toilé par exemple. Je conseille le format carré, sur lequel j’apprécie construire mes compositions pour ce type démarche, mais ne dépassez pas le 20×20 cm. Avec moins de surface à peindre, vous pourrez vous familiariser plus rapidement avec la technique et aussi avoir une approche beaucoup plus directe dans l’élaboration de votre composition. Peindre sur des petites surfaces vous permettra de trouver l’équilibre et l’harmonie de l’œuvre en concentrant votre énergie afin d’aller rapidement à l’essentiel. Le format carré permet de vous libérer des formats classiques, figures, portraits et marines et de composer librement en partant d’un espace dépourvu de ces codes.

Les principes de la peinture à l’huile sont de peindre, gras sur maigre, clair sur foncé et opaque sur transparent. Travailler sur le fond blanc de votre support est possible mais je conseille une couleur de fond pour avoir une teinte de référence sur laquelle vous pourrez vous appuyer pour contrôler la justesse de vos couleurs et de vos valeurs. La couleur de fond étant un élément de votre composition, cela évite également d’avoir à remplir toute la surface du tableau. Par exemple des fonds rouges-orangés (saturés et lumineux) que vous aurez préparés à l’avance sur différents supports apporteront instantanément une présence forte à la toile. L’avantage de cette couleur permet de réchauffer toutes les teintes que vous poserez dessus et sa valeur moyenne permet d’ajouter facilement des teintes de valeurs sombres et claires. Ce fond peut être aussi très utile pour rehausser les verts par contraste des complémentaires. Un gris chaud de valeur moyenne convient également.

Nous verrons ensemble la théorie du cercle chromatique de Johannes Itten et comment travailler une gamme de gris coloré à l’aide des couleurs complémentaires ou du mélange de couleurs chaudes et de couleurs froides avec le blanc. 

Nous étudierons les 3 principales propriétés d’une couleur : sa teinte, sa chromaticité (son intensité) et sa valeur. Étude et compréhension du nuancier et d’une peinture avec palette limitée (Palette Zorn). Je vous montrerai des exemples concrets. » 


Déroulement :

Jour 1

  • Matin : Après avoir fait les présentations, j’explique comment analyser une image afin d’en saisir les éléments qui vous permettront de dégager une composition forte et équilibrée. Nous regarderons ensemble quels sujets vous semblent intéressants à peindre et je ferai rapidement un résumé des différentes étapes à franchir pour réaliser une peinture en utilisant l’approche directe avec la technique alla prima (ou mouillé sur mouillé).
    Vous commencerez par réaliser des croquis d’étude. À ce stade, vous devez chercher à structurer vos compositions avec des lignes de forces. Vous déciderez également de la lumière dans votre composition qui déterminera l’atmosphère et l’ambiance de votre image. Ensuite, vous démarrerez la peinture alla prima sur une composition de votre choix. 
  • Après-midi : Sans aller dans le détail, vous continuez à construire votre peinture jusqu’à trouver un équilibre formel dans votre composition entre lignes, masses, valeurs et couleur et vous pourrez déjà voir apparaitre un paysage dans lequel vous projeter grâce la profondeur de l’espace ainsi crée et le réalisme apporté par la lumière.

Jour 2

  • De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.
  • Nous verrons les différentes possibilités de compositions pour peindre alla prima avec de nouveaux cadrages et nouvelles directions.

Jour 3

  • De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.
  • Nous pourrons chercher encore de nouvelles possibilités pour apporter du caractère, de la force et de la présence dans vos tableaux.
  • Soir : À l’issu du stage, un apéro pourra s’organiser.

Nous ferons un bilan pour que chacun puisse donner ses impressions sur le travail accompli durant le stage et ainsi faire une analyse des difficultés rencontrées et de ses réussites personnelles.

PEINTURE DU CIEL ET PAYSAGE « ALLA PRIMA »

Site / Instagram

Initiez-vous à une technique particulière de peinture à l’huile (alla prima). Le travail par les grandes masses, des gestes rapides et maîtrisés pour plus d’expressivité, à l’aide de brosses, de gros pinceaux, permettra de conserver une gestuelle spontanée. Avec le ciel et le paysage pour motifs d’observation, vous pourrez envisager différentes gammes chromatiques pour en faire ressortir les subtilités atmosphériques.

  • 3 jours
  • Jeudi 29 février | vendredi 1 mars | samedi 2 mars 2024
  • 10h-13h 14h-17h (repas possible sur place).
  • adultes tous niveaux
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • Carnet de croquis de faible grammage pour croquis préparatoires
  • Assortiment de crayons à dessin graphites HB, 2B, 4B, 6B
  • Fusains tendres
  • Gomme mie de pain
  • Taille crayon
  • Pinces à dessin
  • Bombe de fixatif (pour crayon et fusain)
  • Support pour peindre à l’huile : papiers à grain toilés (Figueras CANSON de 290g/m² ou Hannemühle de 330 g/m²) et/ou toiles de lin sur châssis
  • Pinceaux en poils synthétiques : Pinceaux ronds : pointes fines (n°1 et 2) et Brosses plates « usé-bombé » (ou langue de chat) n°4, 6, 8, 10, 12
  • Quelques pinceaux (brosses plate) en soie de porc
  • Une palette de peinture en bois (ou en plastique)
  • 2 petits pots en verre avec couvercle (pots de confiture ou terrine par exemple)
  • Un tablier, blouse ou vieux vêtements.
  • Médium à peindre Talens 083 (ou Huile de lin ou d’œillette si vous en possédez déjà) et essence de térébenthine rectifiée – Vous pouvez préparer le médium à peindre en mélangeant de la térébenthine rectifiée et de l’huile de lin (ou d’œillette) mais je conseillerais d’utiliser du médium à peindre tout fait (prêt à peindre).
  • Peintures à l’huile : bleu outremer foncé, bleu céruléum, bleu de cobalt, bleu de Prusse, jaune de cadmium, jaune de cadmium-citron, rouge cadmium, laque de garance foncée, rouge vermillon, terre d’ombre brulée, terre de Sienne brûlée, ocre jaune, blanc de titane, noir d’ivoire.
  • Si besoin pour réaliser des fonds sur place, quelques peintures acryliques comme un rouge vermillon et une terre de Sienne brûlée.
  • Rubans de masquage Tesa (pour isoler les surfaces à peindre)
  • 1 couteau à palette
  • Des chiffons ou papier essuie-tout (type Sopalin)
  • White spirit et savon de Marseille pour le nettoyage des pinceaux
Présentation :

« Alla prima est un terme italien. Nous dirions en Français « au premier coup ». C’est une technique de peinture à l’huile qui permet d’obtenir un résultat final après une seule séance de peinture. Cette technique s’oppose au travail de peinture à l’huile par couches successives et à l’apport de glacis qui demande d’attendre que la couche précédente soit sèche pour appliquer de nouvelles teintes transparentes. Elle est utilisée depuis plusieurs siècles par les peintres notamment pour élaborer leurs ébauches. Ils préparaient ainsi la composition de leur paysage sur le motif pour ensuite les reprendre à l’atelier en plus grand format. Les impressionnistes utilisaient cette technique qui leur permettaient de terminer leur tableau en capturant la lumière naturelle « d’un premier jet ». 

C’est une approche directe de la peinture appelée aussi « mouillé sur mouillé » et nous verrons toutes les possibilités du travail des couches humide sur humide pour produire une peinture dynamique et gestuelle dans un temps limité. Une bonne gestuelle dans vos coups de brosse participera à donner du caractère à votre peinture. Des gestes rapides et maîtrisés vous permettront de garder la spontanéité dans votre travail. La technique « Alla Prima » permet un maximum d’expressivité et vous verrez que cette approche de la peinture à l’huile offre beaucoup de liberté. 

La pratique du ciel permettra de travailler les différentes techniques de la peinture à l’huile en prenant compte de ses contraintes tout en construisant un tableau de paysage. Cette méthode permet également de développer son regard et une analyse du motif à peindre. Pour la cohérence globale de l’œuvre et pour donner de la présence à votre tableau, cette technique demande une certaine justesse dans l’approche des formes, de l’équilibre des masses, dans le travail de composition, en ligne, en valeur et en couleur, de la lumière et de l’atmosphère. Nous aborderons les trois couleurs primaires et toutes les nuances possibles du champ chromatique. Le ciel est une pratique idéale pour capturer la lumière et donner l’illusion de profondeur dans un tableau.

Les différentes décisions dans l’utilisation des couleurs, des techniques dans l’application de la peinture et le maniement des pinceaux, médiums et différents outils auront toutes leur importance pour donner de la puissance à votre travail. Vous devrez simplifier les formes, les couleurs (avec une palette réduite) et vous marquerez fortement les contrastes pour faire apparaitre la lumière et apporter du réalisme à votre image. 

Le travail se construit d’abord par les grandes masses qui structurent la composition du tableau pour finir sur les détails. Sur ce principe, l’utilisation de gros pinceaux vous éviteront d’aller trop rapidement sur des détails dont vous n’avez pas besoin dans les premières étapes du travail. Vous irez à l’essentiel pour donner de la présence à votre image. À partir d’une composition très simple, la couleur, le travail de la lumière et la profondeur atmosphérique vous ouvriront les portes d’un monde sensible. 

Après avoir dessiné votre sujet, la technique « Alla prima » vous permettra de reprendre le dessin et de modeler les formes à l’aide d’une palette limitée. Vous construirez votre palette de couleurs en rapport à la tonalité de la peinture et la lumière que vous voulez obtenir.

Vous aurez besoin de multiples photographies de paysage qui vous serviront pour construire différentes compositions durant ces trois jours. La composition et la lumière devront être pensées avec soin pour trouver une ambiance et une atmosphère particulière. Cherchez dans vos propres photographies mais vous pouvez également apporter d’autres visuels ou livres de paysages qui vous inspirent et qui vous serviront de point de départ. 

Nous ne copierons pas les images mais nous interpréterons les différentes compositions de formes ou l’inspiration d’une lumière pour en traduire librement les caractéristiques et en sortir une œuvre personnelle. Nous analyserons ensemble les visuels qui ont attirés votre attention pour choisir les plus pertinents. L’enseignant apportera également des images à vous proposer au début du stage.

Préparez des supports de petits formats sur papier toilé par exemple. Je conseille le format carré, sur lequel j’apprécie construire mes compositions pour ce type démarche, mais ne dépassez pas le 20×20 cm. Avec moins de surface à peindre, vous pourrez vous familiariser plus rapidement avec la technique et aussi avoir une approche beaucoup plus directe dans l’élaboration de votre composition. Peindre sur des petites surfaces vous permettra de trouver l’équilibre et l’harmonie de l’œuvre en concentrant votre énergie afin d’aller rapidement à l’essentiel. Le format carré permet de vous libérer des formats classiques, figures, portraits et marines et de composer librement en partant d’un espace dépourvu de ces codes.

Les principes de la peinture à l’huile sont de peindre, gras sur maigre, clair sur foncé et opaque sur transparent. Travailler sur le fond blanc de votre support est possible mais je conseille une couleur de fond pour avoir une teinte de référence sur laquelle vous pourrez vous appuyer pour contrôler la justesse de vos couleurs et de vos valeurs. La couleur de fond étant un élément de votre composition, cela évite également d’avoir à remplir toute la surface du tableau. Par exemple des fonds rouges-orangés (saturés et lumineux) que vous aurez préparés à l’avance sur différents supports apporteront instantanément une présence forte à la toile. L’avantage de cette couleur permet de réchauffer toutes les teintes que vous poserez dessus et sa valeur moyenne permet d’ajouter facilement des teintes de valeurs sombres et claires. Ce fond peut être aussi très utile pour rehausser les verts par contraste des complémentaires. Un gris chaud de valeur moyenne convient également.

Nous verrons ensemble la théorie du cercle chromatique de Johannes Itten et comment travailler une gamme de gris coloré à l’aide des couleurs complémentaires ou du mélange de couleurs chaudes et de couleurs froides avec le blanc. 

Nous étudierons les 3 principales propriétés d’une couleur : sa teinte, sa chromaticité (son intensité) et sa valeur. Étude et compréhension du nuancier et d’une peinture avec palette limitée (Palette Zorn). Je vous montrerai des exemples concrets. » 


Déroulement :

Jour 1

  • Matin : Après avoir fait les présentations, j’explique comment analyser une image afin d’en saisir les éléments qui vous permettront de dégager une composition forte et équilibrée. Nous regarderons ensemble quels sujets vous semblent intéressants à peindre et je ferai rapidement un résumé des différentes étapes à franchir pour réaliser une peinture en utilisant l’approche directe avec la technique alla prima (ou mouillé sur mouillé).
    Vous commencerez par réaliser des croquis d’étude. À ce stade, vous devez chercher à structurer vos compositions avec des lignes de forces. Vous déciderez également de la lumière dans votre composition qui déterminera l’atmosphère et l’ambiance de votre image. Ensuite, vous démarrerez la peinture alla prima sur une composition de votre choix. 
  • Après-midi : Sans aller dans le détail, vous continuez à construire votre peinture jusqu’à trouver un équilibre formel dans votre composition entre lignes, masses, valeurs et couleur et vous pourrez déjà voir apparaitre un paysage dans lequel vous projeter grâce la profondeur de l’espace ainsi crée et le réalisme apporté par la lumière.

Jour 2

  • De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.
  • Nous verrons les différentes possibilités de compositions pour peindre alla prima avec de nouveaux cadrages et nouvelles directions.

Jour 3

  • De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.
  • Nous pourrons chercher encore de nouvelles possibilités pour apporter du caractère, de la force et de la présence dans vos tableaux.
  • Soir : À l’issu du stage, un apéro pourra s’organiser.

Nous ferons un bilan pour que chacun puisse donner ses impressions sur le travail accompli durant le stage et ainsi faire une analyse des difficultés rencontrées et de ses réussites personnelles.

REGARD SUR LA NATURE

www.blancheberthelier.com / @blanche_berthelier (instagram)

Abordez la Nature par les outils du dessin d’observation et d’imagination. Vous passerez par le croquis, le travail d’observations fines, le carnet puis par la recherches de formes plus expérimentales, symboliques, abstraites pour développer une série de dessins exprimant votre propre rapport au Vivant.

  • 3 jours
  • 26, 27 et 28 février
  • 9h-12h et 13h30-16h30  (repas 1h possible sur place).
  • Adolescent-e-s et adultes, tous niveaux à partir de 12 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • plume (sergent Major) et porte-plume
  • encre de Chine (attention : surtout pas la marque Rougier&Plé !!!)
  • un pastel gras (huile) couleur au choix (plusieurs si vous en avez déjà)
  • crayons mine graphite (HB, B, 2B au choix)
  • crayon pierre noire (B, 2B, 3B au choix)
  • crayon Neocolor Aquarelle, Caran d’Ache, couleur au choix
  • pinceaux pour le dessin (pointu) et brosses
  • Bloc croquis à spirale A3
  • Carnet de croquis format A5
  • + prévoir d’autres supports papier selon le projet personnel envisagé. (à déterminer pendant le stage)
  • Ainsi que tout autre matériel qu’il vous plaît d’utiliser pour dessiner !
Présentation :

Ce stage s’articule autour de la question de notre relation à la Nature et à sa représentation, par la pratique du dessin d’observation et d’imagination.
Dans un processus en deux phases, le stage vise à mettre en lumière ces relations que nous pouvons établir, par une observation attentive aux formes naturelles. Une tentative pour entrer dans une contemplation qui nous transmet le plaisir de dessiner la beauté de la Nature, et qui nous met aussi en relation avec son intelligence même, exprimée sous ses formes tangibles (végétal, animal, etc).
Le processus de dessin créant une relation entre le dessinateur et l’objet observé, il nous permet d’entrer dans une compréhension de la nature au-delà des mots.
C’est de cette relation personnelle révélée par le dessin d’observation que peut alors germer une interprétation et une expression artistique personnelle, empreinte d’une appréhension intime, comme témoin d’une sensibilité et d’une volonté de représenter l’indicible de ce rapport entre nous et la Nature.
La première partie du stage aborde des notions de dessin d’observation, avec des éléments de technique de dessin analytique, afin de permettre d’affiner sa perception et sa capacité à observer et représenter.
Du dessin d’objets naturels pour la compréhension des structures et formes par le croquis, une attention aussi aux détails et matières pour s’approprier cette attention à l’infime.
Le dessin d’observation est aussi prévu dans d’autres endroits que l’atelier afin de développer une pratique de carnet de croquis, comme répertoire de formes et outil de travail et de recherche.
La seconde phase a lieu à l’atelier, laboratoire dans lequel tout ce travail d’observation va se mêler aux impressions collectées lors des heures de dessin, à des éléments d’expression plus personnelle, des recherches sur le plan théorique, philosophique, scientifique, symbolique, etc…
De cette relation personnelle à la Nature acquise par le dessin et par ces éléments de réflexion, c’est alors l’élaboration d’un travail d’imagination, d’interprétation et d’expression par le dessin qui est proposé.
Cette élaboration artistique se nourrit des échanges entre les stagiaires, et des retours du responsable du stage. Il se basera sur l’élaboration d’esquisses et le suivi de la réalisation des œuvres.
La forme de ce travail est libre, mais doit être axée autour du dessin.
Les formats, supports, médiums seront les choix plastiques des stagiaires, tout comme les démarches artistiques, concepts des propos abordés par chacun.

Résumé :

  • Dessin d’observation : éléments de technique, pratique du croquis. Dessin d’objets naturels (végétaux, animaux, etc.) en atelier.
  • Dessin d’imagination et interprétation : élaboration d’un travail personnel de création.
  • Pratique du carnet de croquis : l’incontournable du dessinateur ! Un outil de recherche, aussi bien graphique que théorique. Travail du croquis en extérieur dans ce carnet à toujours avoir avec soi.

Déroulement :

Jour 1 – Présentation du stage et de son contenu.

  • Discussion autour de la question de la Nature, et notre relation collective et personnelle aux divers niveaux de conceptualisation qu’elle incarne.
  • Éléments théoriques pour amorcer une réflexion plus personnelle à maturer pendant le stage et au fil du travail de dessin.
  • Début du travail de dessin d’observation : dessin de végétaux, animaux et objets naturels divers.
  • Fondamentaux du dessin d’observation (selon le niveau), pratique du croquis chronométrée. Expérimentation de différents médiums et techniques.
  • Un temps en fin de journée pour une discussion collective et un bilan du travail effectué.

Jour 2 – Suite du travail de dessin d’observation.

  • Travail de croquis et dessin dans le carnet de croquis.
  • Après-midi : travail d’interprétation : retravailler les éléments dessinés dans le carnet et continuer le dessin d’après les objets présents dans l’atelier.
  • Phase création : échanges collectifs et suivi du projet personnel.
  • Élaboration des esquisses et du travail préparatoire du projet de chacun, à partir du travail des jours précédents.

Jour 3 – Réalisation des dessins personnels.

  • La phase projet doit être réalisée et terminée dans la journée.
  • Suivi du travail et de l’élaboration plastique et artistique du projet de dessin de chacun des participants.
  • Un bilan / expo peut être réalisé dans les jours suivants, selon la disponibilité des lieux et des personnes.

RÉALISER UN LIVRE D’IMAGES

https://lisedua.com/

Concevez, à la manière d’une édition d’artiste, un livre composé de vos propres images. Après observation et expérience de divers types de reliures, sensibilisez-vous au papier (couleur, aspect, texture) pour définir vos besoins. Enfin, à partir d’une sélection d’images déjà réalisées, apprenez à composer, associer, relier pour repartir avec votre propre livre-objet.

  • 3 jours
  • 26,27 et 28 février 2024
  • 9h-16h (repas possible sur place).
  • Tous publics
  • 8 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • Une sélection d’une vingtaine d’images (pas beaucoup plus sinon l’ouvrage risque de devenir trop complexe à imaginer dans le temps imparti)
  • Clé usb, stylos, crayons, ciseaux, colle, bobines de fil.
  • Du papier pour l’impression (à acheter après discussion)
Présentation :

Ce stage vous permettra de réaliser le livre de votre choix, en réfléchissant à la cohérence de sa forme et à l’association des images qui le compose. Celui-ci peut se présenter sous la forme d’un fanzine, de cahiers reliés, d’un livre imprimé par une plateforme d’impression (ex : Blurb ou Bookwright), d’un livre en leporello, etc…

Il pourra présenter des photographies mais aussi toute autre sorte de création plastique : dessins, peintures, gravures, collages, textes. Les outils et apprentissage délivrés se feront en fonction du projet de chacun.e mais peuvent aller de la mise en page sur Indesign à la reliure à la main. La sélection des images à intégrer doit être réalisée en amont du stage pour que nous puissions nous focaliser sur la conception du livre en priorité.


Déroulement :

Jour 1 – Présentation papier et numérique de diverses formes de livres, de l’édition à la micro-édition, qui pourront servir de sources d’inspirations pour les futur.e.s auteur.e.s. Présentation de différentes techniques de pliage et de solution de reliure pour composer son livret. Discussion collective autour de ces ouvrages et tour de table pour connaître les envies de chacun.e. Début du travail individuel : définir le format, l’aspect, la forme de l’édition pour dégager une démarche personnelle.

Jour 2 – Poursuite du travail, organisation du chemin de fer de la publication (déroulé des pages). Discussion autour du papier, quel grammage, quelle texture ? Retours collectifs sur les avancées de chacun.e en fin de journée..

Jour 3 – Finalisation de l’ouvrage : poursuite du travail suite aux retours de la veille et aux envies. Impression de la publication ou finalisation du pdf et de la reliure. Mini-exposition des livres en fin de stage Chaque personne repart avec son ouvrage en fin de stage.

L’ART DU SIMPLE-PEINTURE TCH’AN et SUIBOKUGA

Instagram intervenante

Initiation à plusieurs techniques chinoises et japonaises de peinture à l’encre. Autour du motif de l’Orchidée, appréhendez la peinture sous l’angle du geste, de la posture, du souffle. Découvrez comment les variations du corps (pression, vitesse, mouvements) influent sur le tracé de l’outil. 

  • 3 jours
  • du 26 au 28 février 2024
  • 9h30 à 12h30 ; 13h15 à 16h15 (repas possible sur place).
  • Tous publics à partir de 16 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • PAPIER (Boesner)
    • Rouleau Wenzhou 30g/m2
      Référence CH4525 Format 0.45x25M
    • Rouleau papier de Chine 40g/ m2
      Référence : AN4515 Format 0.45x15M
    • Plus papier brouillon
  • Au moins 2 PINCEAUX 
    • À la librairie le phenix à Paris ou sur internet
      • Pinceau 5024 – Poils de loup “yuye ling feng” moyen
      • Pinceau 5010 – Poils mélangés « Rugissement du tigre n°3 »
      • Pinceau 4021 – Poils de loup et de chèvre
    • Ou à la Boutique Miroirs du ciel à la croix rousse
    • PINCEAU CALLIGRAPHIE, ZIYUN ZHUANG M
      taille M, longueur poils 4.5 cm, diamètre 1 cm
    • PINCEAU CALLIGRAPHIE PURE LOUP
      taille du poil 3.5 cm, diamètre 1 cm,
  • PIERRE A ENCRE (Boesner)
    • Rectangulaire référence R90
  • BÂTON D’ENCRE (Boesner)
    • Référence : CT7
  • Ou ENCRE LIQUIDE à la librairie le phenix à Paris ou sur internet Bouteille d’encre de Chine noire Kuretake (180ml)
  • Tapis FEUTRINE
    • FEUTRINE blanche 100x70cm à la librairie le phenix à Paris ou sur internet
    • Ou Feutrine Dimension 60X80cm (Miroirs du ciel)
  • Les stagiaires peuvent apporter le matériel dont ils disposent
Présentation :

La peinture Tch’an (VIème siècle pour la Chine) et Suibokuga (Sumi-e XIIIème siècle pour le Japon) utilise de façon ancestrale quatre éléments : Le pinceau, l’encre, l’eau et le papier de riz comme pour la calligraphie, l’origine de cet art.
Les fondamentaux de l’enseignement, technique Shikunshi s’élaborent à partir de ce qui est nommé ‛ les 4 gentilhommes’ associés aux saisons :
Orchidée (le printemps),Bambou (l’été), Chrysanthème (l’automne) et prunier (l’hiver).

Chaque végétal apporte une maitrise dans les gestes et les encrages.
La base de cette pratique expressive a pour sujet l’observation de la nature.
Ces thèmes majeurs, pour acquérir une première et solide compétence avec les pinceaux, ouvrent les portes vers la créativité.
Une des caractéristiques de cet art est l’harmonie en respectant les lois du vide et du plein, des espaces des contrastes.
Cette technique exclut tout repentir. Par sa main le ou la peintre laisse une trace indélébile sur le papier. Par sa posture, son souffle il ou elle engage toute sa personne.

Durant ce stage l’ORCHIDEE est à l’honneur.
La représentation de l’orchidée évoque le mouvement, l’élégance, la légèreté.
Elle est la plus proche de l’écriture. 

Etapes :

  • Se familiariser avec le matériel. La tenue du pinceau est sensible à la moindre pression ou variation du mouvement de la main.
  • L’approche d’une démarche intérieure, un temps d’observation avant le contact du pinceau sur le papier.
  • L’expérience du geste par le souffle, la posture le regard.
  • Comment acquérir ce geste en suivant pas à pas chaque progression avec le plaisir de la découverte.

Préparation technique :

  • Exploration des différents traits, l’encrage et la vitesse du pinceau.
  • Le trait incarne à la fois forme et volume, tonalité et rythme en tant qu’unité vivante.
  • Réalisation d’orchidées ;
  • Les 10 principes des feuilles. Les fleurs et leur orientation. Les racines. L’ensemble en harmonie. L’orchidée dans son environnement.
  • Chaque étape sera démontrée.
  • Des modèles sur papier serviront de support pédagogique.
  • L’exploration plus libre, d’autres sujets complémentaires, sera proposée individuellement ou par groupe selon l’avancée de chacun-e.

Pour les débutants :

  • Il ne s’agit pas, durant ces 3 jours, de réaliser une œuvre mais susciter l’envie de continuer cet apprentissage jusqu’à la liberté du geste.

Pour les expérimenté-e-s :

  • Faire confiance à son désir plutôt qu’à sa volonté.

Pour toutes et tous :
L’apprentissage du silence de ses pensées. Se relier à l’essentiel de sa propre exigence.

Ces trois jours seront agrémentés de sujets de détente réalisés en quelques coups de pinceau. La prédominance de la simplicité défini une caractéristique du sumi-e
Libre et Détaché

« En peinture, rien n’est plus merveilleux que cette nonchalance détachée qui, dans une composition éparse, répand par degré le jeu des taches et du lavis, créant un effet d’élégance et de grâce, et communiquant ainsi un délicieux sentiment d’allégresse ».

Zhang Feng (actif vers 1636-1674)

« Les objets ne sont pas saisis par la perception des sens : Ils sont enclos dans l’habitacle de l’âme ; C’est pourquoi la main ne fait que répondre à ce que le peintre a saisi dans son cœur ».

Fu Zai (poète actif au milieu du VIII s il a écrit sur l’art de Zhang Zao)

Déroulement :

Jour 1 – Présentation de la peinture tch’an et Sumi-e en faisant référence aux 6 règles du Traité de Xie-HE Vème siècle ainsi qu’aux 4 trésors (pinceaux, encre, pierre à encre et papier).

  • Techniques de base :
    • Posture, tenue du pinceau. Apprendre à tenir le pinceau en traçant un simple trait de l’hésitation jusqu’à l’aisance du mouvement du pinceau.
  • Mise en route :
    • Explorer les différents traits. (Accompagné-e-s de notre tranquillité afin d’obtenir une sensation de stabilité).
    • Le tracé de la feuille d’orchidée (Epaisseur, direction) par la ‟danse du pinceau”.
    • Le croisement des feuilles
    • Les 10 principes de réalisation
    • Structure par le double contour (technique du Bai Miao)
    • Sujet détente
    • Démonstration 

Jour 2 – Mise en route

  • Suite des 10 principes. Tracé en ‟coups de hache”
  • Fleurs d’orchidée dans diverses orientations
  • Tiges (rythmes)
  • Feuilles en mouvement (le geste et le souffle en harmonie, le corps accompagne le geste)
  • Différentes nuances d’encre et vitesse d’exécution,
  • Synthèse des apprentissages
  • Sujet détente en quelques traits
  • Démonstration Orchidée dans son environnement

Jour 3 – Technique d’encrages sur papier sec ou humide

  • Orchidées dans le vent, descendantes, en groupe.
  • L’orchidée et son environnement
  • Aperçu de l’apprentissage des roches en contours (les 3 faces) pour aller vers un seul geste (Niveau expérimenté)
  • Lois de compositions et d’harmonie.

Pour clore ces 3 jours : ‟Enso” (cercle en japonais)

L’ART DU SIMPLE-PEINTURE TCH’AN et SUIBOKUGA

Instagram intervenante

Initiation à plusieurs techniques chinoises et japonaises de peinture à l’encre. Autour du motif de l’Orchidée, appréhendez la peinture sous l’angle du geste, de la posture, du souffle. Découvrez comment les variations du corps (pression, vitesse, mouvements) influent sur le tracé de l’outil. 

  • 3 jours
  • du 29  février au 2 mars 2024
  • 9h30 à 12h30 ; 13h15 à 16h15 (repas possible sur place).
  • Tous publics à partir de 16 ans
  • 10 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • PAPIER (Boesner)
    • Rouleau Wenzhou 30g/m2
      Référence CH4525 Format 0.45x25M
    • Rouleau papier de Chine 40g/ m2
      Référence : AN4515 Format 0.45x15M
    • Plus papier brouillon
  • Au moins 2 PINCEAUX 
    • À la librairie le phenix à Paris ou sur internet
      • Pinceau 5024 – Poils de loup “yuye ling feng” moyen
      • Pinceau 5010 – Poils mélangés « Rugissement du tigre n°3 »
      • Pinceau 4021 – Poils de loup et de chèvre
    • Ou à la Boutique Miroirs du ciel à la croix rousse
    • PINCEAU CALLIGRAPHIE, ZIYUN ZHUANG M
      taille M, longueur poils 4.5 cm, diamètre 1 cm
    • PINCEAU CALLIGRAPHIE PURE LOUP
      taille du poil 3.5 cm, diamètre 1 cm,
  • PIERRE A ENCRE (Boesner)
    • Rectangulaire référence R90
  • BÂTON D’ENCRE (Boesner)
    • Référence : CT7
  • Ou ENCRE LIQUIDE à la librairie le phenix à Paris ou sur internet Bouteille d’encre de Chine noire Kuretake (180ml)
  • Tapis FEUTRINE
    • FEUTRINE blanche 100x70cm à la librairie le phenix à Paris ou sur internet
    • Ou Feutrine Dimension 60X80cm (Miroirs du ciel)
  • Les stagiaires peuvent apporter le matériel dont ils disposent
Présentation :

La peinture Tch’an (VIème siècle pour la Chine) et Suibokuga (Sumi-e XIIIème siècle pour le Japon) utilise de façon ancestrale quatre éléments : Le pinceau, l’encre, l’eau et le papier de riz comme pour la calligraphie, l’origine de cet art.
Les fondamentaux de l’enseignement, technique Shikunshi s’élaborent à partir de ce qui est nommé ‛ les 4 gentilhommes’ associés aux saisons :
Orchidée (le printemps),Bambou (l’été), Chrysanthème (l’automne) et prunier (l’hiver).

Chaque végétal apporte une maitrise dans les gestes et les encrages.
La base de cette pratique expressive a pour sujet l’observation de la nature.
Ces thèmes majeurs, pour acquérir une première et solide compétence avec les pinceaux, ouvrent les portes vers la créativité.
Une des caractéristiques de cet art est l’harmonie en respectant les lois du vide et du plein, des espaces des contrastes.
Cette technique exclut tout repentir. Par sa main le ou la peintre laisse une trace indélébile sur le papier. Par sa posture, son souffle il ou elle engage toute sa personne.

Durant ce stage l’ORCHIDEE est à l’honneur.
La représentation de l’orchidée évoque le mouvement, l’élégance, la légèreté.
Elle est la plus proche de l’écriture. 

Etapes :

  • Se familiariser avec le matériel. La tenue du pinceau est sensible à la moindre pression ou variation du mouvement de la main.
  • L’approche d’une démarche intérieure, un temps d’observation avant le contact du pinceau sur le papier.
  • L’expérience du geste par le souffle, la posture le regard.
  • Comment acquérir ce geste en suivant pas à pas chaque progression avec le plaisir de la découverte.

Préparation technique :

  • Exploration des différents traits, l’encrage et la vitesse du pinceau.
  • Le trait incarne à la fois forme et volume, tonalité et rythme en tant qu’unité vivante.
  • Réalisation d’orchidées ;
  • Les 10 principes des feuilles. Les fleurs et leur orientation. Les racines. L’ensemble en harmonie. L’orchidée dans son environnement.
  • Chaque étape sera démontrée.
  • Des modèles sur papier serviront de support pédagogique.
  • L’exploration plus libre, d’autres sujets complémentaires, sera proposée individuellement ou par groupe selon l’avancée de chacun-e.

Pour les débutants :

  • Il ne s’agit pas, durant ces 3 jours, de réaliser une œuvre mais susciter l’envie de continuer cet apprentissage jusqu’à la liberté du geste.

Pour les expérimenté-e-s :

  • Faire confiance à son désir plutôt qu’à sa volonté.

Pour toutes et tous :
L’apprentissage du silence de ses pensées. Se relier à l’essentiel de sa propre exigence.

Ces trois jours seront agrémentés de sujets de détente réalisés en quelques coups de pinceau. La prédominance de la simplicité défini une caractéristique du sumi-e
Libre et Détaché

« En peinture, rien n’est plus merveilleux que cette nonchalance détachée qui, dans une composition éparse, répand par degré le jeu des taches et du lavis, créant un effet d’élégance et de grâce, et communiquant ainsi un délicieux sentiment d’allégresse ».

Zhang Feng (actif vers 1636-1674)

« Les objets ne sont pas saisis par la perception des sens : Ils sont enclos dans l’habitacle de l’âme ; C’est pourquoi la main ne fait que répondre à ce que le peintre a saisi dans son cœur ».

Fu Zai (poète actif au milieu du VIII s il a écrit sur l’art de Zhang Zao)

Déroulement :

Jour 1 – Présentation de la peinture tch’an et Sumi-e en faisant référence aux 6 règles du Traité de Xie-HE Vème siècle ainsi qu’aux 4 trésors (pinceaux, encre, pierre à encre et papier).

  • Techniques de base :
    • Posture, tenue du pinceau. Apprendre à tenir le pinceau en traçant un simple trait de l’hésitation jusqu’à l’aisance du mouvement du pinceau.
  • Mise en route :
    • Explorer les différents traits. (Accompagné-e-s de notre tranquillité afin d’obtenir une sensation de stabilité).
    • Le tracé de la feuille d’orchidée (Epaisseur, direction) par la ‟danse du pinceau”.
    • Le croisement des feuilles
    • Les 10 principes de réalisation
    • Structure par le double contour (technique du Bai Miao)
    • Sujet détente
    • Démonstration 

Jour 2 – Mise en route

  • Suite des 10 principes. Tracé en ‟coups de hache”
  • Fleurs d’orchidée dans diverses orientations
  • Tiges (rythmes)
  • Feuilles en mouvement (le geste et le souffle en harmonie, le corps accompagne le geste)
  • Différentes nuances d’encre et vitesse d’exécution,
  • Synthèse des apprentissages
  • Sujet détente en quelques traits
  • Démonstration Orchidée dans son environnement

Jour 3 – Technique d’encrages sur papier sec ou humide

  • Orchidées dans le vent, descendantes, en groupe.
  • L’orchidée et son environnement
  • Aperçu de l’apprentissage des roches en contours (les 3 faces) pour aller vers un seul geste (Niveau expérimenté)
  • Lois de compositions et d’harmonie.

Pour clore ces 3 jours : ‟Enso” (cercle en japonais)

LE PORTRAIT EN COULEUR, MODÈLE VIVANT

juliariffiod.com

Ces 3 jours de stage seront dédiés au travail du portrait en couleur en technique sèche, à partir de l’observation d’un modèle vivant. En passant par des exercices de proportions, quelques apprentissages techniques puis en travaillant la couleur (ombres et lumières, lignes et masses), le portrait prendra forme et gagnera en expressivité.

  • 3 jours
  • lundi 26, mardi 27, mercredi 28 février 2024
  • 9H30 – 12H30 / 13H30 – 16H30 (repas possible sur place)
  •  tous publics, adultes et adolescents
  • 12 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :

Techniques sèches en couleur :

  • crayons en tout genre au choix : crayons de couleur marque Fabercastell ou Caran d’Ache,  gros crayons « woodys » de Stabylo, craies à la cire « néocolor » (I ou II aquarellable) de Caran d’Ache, crayons pastel sec…
  • – choisir une dizaine de couleurs minimum parmi les bleus, verts, jaunes, roses, oranges, rouges, violets. En mixant des couleurs claires et foncées. Choisissez des couleurs qui vous plaisent!
  • papier format raisin 50 x 65 cm, à partir de 120g 
  • papier brouillon  entre 70 g à 120 g, format raisin 50 x 65 cm (ou minimum A2)
  • taille crayon ou cutter
Présentation :

Dessiner un visage est une chose, arriver à le rendre ressemblant en est une autre ! 

Ces 3 jours de stage seront dédiés au travail du portrait en couleur en technique sèche, à partir de l’observation d’un modèle vivant. 

Nous travaillerons d’abord les proportions du visage, passant de la théorie à la pratique grâce aux poses variées du modèle, pour mieux comprendre et représenter le volume de la tête.

Nous chercherons ensuite à affiner la représentation du visage pour chercher la ressemblance, la singularité du modèle, en s’attachant aux détails comme le traitement des cheveux ou encore du regard.

Puis nous travaillerons la couleur pour donner du style à nos portraits. Comment accorder les couleurs entre elles ? Quel rôle donner à chaque couleur ? Nous représenterons les ombres et les lumières, travaillerons les lignes et les masses, les tons chauds et froids, et aussi la complémentarité des couleurs.

Ce stage s’adresse à tous les niveaux. Les temps de poses iront de 3 min à 40 min environ. Des temps de regard des dessins et d’échange ponctueront les journées, ainsi que la découverte d’artistes pour nous inspirer.

Les outils utilisés seront à choisir parmi les techniques sèches en couleur.


Déroulement :

Jour 1 – Méthodologie, travail autour des proportions, de la théorie à la pratique. 

Retranscrire le volume de la tête. Appliquer les proportions dans des poses variées. Articuler la tête, le cou, le buste. Travailler les dégradés de couleur pour traduire les ombres et lumières du visage.

Jour 2

Chercher la ressemblance. Rentrer dans une observation poussée, représenter les détails. Passer par des exercices de déformation, d’exagération d’éléments du visage pour mieux s’approprier les spécificités du modèle.  Focus sur le regard, la bouche, les cheveux. Etudier le crayonné, le sens du trait, les hachures, les masses en couleur. Travailler avec plusieurs couleurs et réussir à les associer.

Jour 3 – Donner du style à ses portraits par le travail de la couleur.

Oser le portrait en couleur! Travailler les masses, les tons chauds ou froids, les tons complémentaires sur des temps de poses plus longs.

OSEZ CRAYONNER ! EN COULEUR

juliariffiod.com

Halte au contour ! Le corps ne se résumera pas à ses bordures mais prendra forme par un travail des masses, des volumes, des surfaces. Hachures, gribouillage ou trames colorées toutes les textures seront explorées pour rendre au corps sa densité.

  • 3 jours
  • 29 février, 1 et 2 mars 2024
  • 9H30 – 12H30 / 13H30 – 16H30 (repas possible sur place).
  • tous publics, adultes et adolescents
  • 12 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :

Techniques sèches en couleur.

  • Vous pouvez choisir entre crayons de couleurs et craies à la cire néocolor. (les craies vous feront dessiner un peu plus grand que les crayons)
  • crayons de couleur marque Fabercastell (gamme polychromos) ou Caran d’Ache (gamme supracolor, prismalo ou luminance) 
  • craies à la cire de la gamme néocolor (I ou II) chez Caran d’Ache
    • achetez vos couleurs à l’unité pour choisir des couleurs qui vous plaisent ! Choisir une dizaine de couleurs minimum parmi les bleus, verts, jaunes, roses, oranges, rouges, violets.
    • Pour chaque couleur, choisissez une variante claire et une variante foncée. Par exemple : un bleu clair et un bleu foncé)
    • Sortez des couleurs primaires, quelques exemples : jaune de naples, rouge vermillon, rose fuschia, rose outremer, bleu outremer, bleu de prusse, vert phtalo clair, vert mousse…
  • Outils bonus facultatifs : feutres de couleurs, stylos bille de couleur, autres crayons au choix
  • papier brouillon pour les poses courtes : format raisin 50 x 65 cm (ou minimum A2) entre 70 g à 120 g,
  • papier format raisin 50 x 65 cm pour les poses longues, à partir de 120g avec peu de grain (donc plutôt lisse)

    Acheter le papier en quantité (en grande ramette/pack )
  • taille crayon ou cutter
Présentation :

Dans le dessin de modèle vivant, nous sommes souvent tentés de dessiner le corps à partir de son contour : en une seule ligne. Eh bien, ce stage vous propose d’explorer l’inverse, en osant crayonner la surface du corps pour traduire son volume ! Nous partirons donc de la notion de contour pour s’en affranchir progressivement.

Par des jeux de silhouettes, de forme et de contre forme, nous nous entrainerons à observer le corps comme une somme de lignes et de masses.

Le traitement au crayon vous permettra d’expérimenter tous les types de lignes : la hachure, la ligne claire, le coloriage, le tourbillon, le gribouillage, jusqu’à l’obtention d’une saturation graphique. Des exercices ludiques pour libérer votre geste et prendre confiance en vous !

Le crayon sera travaillé en couleur ! D’abord une seule couleur pour se concentrer sur le trait. Puis plusieurs couleurs pour mieux comprendre comment les associer, les superposer, obtenir des jeux d’ombres et de lumières, des tons chauds ou froids, et des harmonies colorées.

Ce stage s’adresse à tous les niveaux. Les temps de poses iront de 1 min à 40 min environ. Des temps de regard des dessins et d’échange ponctueront les journées, ainsi que la découverte d’artistes pour nous inspirer. 


Déroulement :

Jour 1 – Définir les notions clefs de contour, de surface du corps, de silhouette, de ligne, de masse… Aborder le dessin de modèle vivant par des jeux de formes et contre forme, de silhouette. Travailler en aplat, colorier, superposer les formes et les couleurs. Amorcer la notion de volume grâce au dégradé de couleur.

Jour 2 – S’affranchir progressivement du contour, travailler le trait sous toutes les coutures :  la hachure, la ligne claire, le tourbillon, le gribouillage, jusqu’à l’obtention d’une saturation graphique. Dans quel sens placer les traits pour traduire le volume du corps.

Des exercices ludiques vous permettront de libérer votre geste et de prendre confiance en vous. Osez crayonner ! Travailler avec plusieurs couleurs et réussir à les associer.

Jour 3 – Donner du style à ses dessins par le travail de la couleur. Focus sur le portrait. Travailler les masses, les tons chauds ou froids, les tons complémentaires sur des temps de poses plus longs.

AQUARELLE ET VÉGÉTAL

www.morganedemoreuille.com

Dans un esprit de « botaniste » et en aquarelle, pratiquez le dessin d’observation fine de végétaux. Explorer les couleurs, expérimenter les variations (lignes, surfaces, superpositions) , jouer des masses et des volumes pour faire ressortir les spécificités (fruits, graines, tiges) de chaque spécimen végétal.

  • 3 jours
  • 26,27 et 28 février 2024
  • 10H00-13h00 et 14h00-17h00 (repas possible sur place).
  • Tous niveaux à partir de 16 ans
  • 12 participant-e-s au maximum

Matériel à apporter :
  • Papier aquarelle (A3), pinceaux aquarelle, aquarelles, chiffon, crayon graphite, gomme, couteau pour les fruits, une ou plusieurs dizaine de feuilles (herbes, plantes, arbres, …), fruits, branches, scotch papier ou kraft gommé
Présentation :

Travail de dessin à l’aquarelle à partir de l’observation et la décortication d’éléments végétaux. Dessin d’exploration. Pour démarrer les séances : éclairages sur l’aquarelle et la géométrie végétale. Au fil des jours : découverte des réactions de l’aquarelle, de l’eau et du papier ; emploi du pinceau et de l’aquarelle par lignes ou surfaces colorées ; fusion des couleurs dans l’eau ; superpositions de couches d’aquarelle.


Déroulement :

Jour 1 – FEUILLES.

Matin : exercices d’aquarelle et représentation de feuilles : silhouette et fusion des couleurs. Après-midi : feuillage : masses colorées et dessin au trait

Jour 2 – FRUITS.

Matin : l’extérieur des fruits, couleur et aspérités. Après-midi : l’intérieur des fruits, décortiquer, suggérer

Jour 3 – BRANCHES.

Matin : dehors sous les arbres ou tas de branches (selon la météo)  développement et déploiement spatial (proportions, formes coniques et cylindriques). Après-midi : composition libre sur le thème du végétal et développant les sujets abordés lors du stage.